Souvenirs et impressions littéraires

Vincent van Gogh "Enclos au jardin" (juillet 1888) Huile sur toile (73x91 cm). Collection of the Gemeentemuseum, Den Haag/ProLitteris 2009, Zürich

Le Kunstmuseum de Bâle organise du 26 avril au 27 septembre 2009 une exposition Vincent van Gogh que le journal suisse de langue française Le Temps loue déjà. Pour vous y reporter cliquez sur le lien suivant : Les désirs fusionnels de Vincent van Gogh.

Ce qui est génial dans cette annonce, c´est que Le Temps donne à l´internaute la possibilité de voir sept de ces tableaux. Les commentaires de deux ou trois lignes sous chacun d´entre eux sont remarquables d´intelligence et de clarté. Ils montrent bien ce que le thème de l´exposition veut démontrer : "l´évolution du peintre vers des propositions très modernes et fusionnels" qui tendent "au désir de voir communier dans le même mouvement nature et êtres humains". Resteront-ils longtemps sur la toile ? Il faut l´espérer. Il n´est pas donné à tout le monde de se rendre à Bâle pour uniquement une exposition quand on habite à plus de deux mille kilomètres de la Suisse.

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Autres liens possibles ( en toute modestie) : - Le faucheur de van Gogh

                                                                  - Van Gogh et Monticelli à Marseille

Dans sa jeunesse Adalbert Stifter (1805-1868) hésitait entre peinture et littérature. Dans son roman Descendances de 1865, l´un de ses derniers textes écrits avant son suicide, on trouve un passage  dans lequel on ne peut s´empêcher de penser aux tableaux de  Claude Monet, Alfred Sisley, et un peu avant eux, Eugène Boudin :

"J´avais déjà, la veille, préparé tout le nécessaire, couleurs, pinceaux, et une grande quantité de feuilles sur lesquelles peindre ; car je voulais tout entreprendre : "marais dans la lumière de l´aube", "marais dans la lumière du matin", "marais dans la lumière de midi", "marais dans la lumière de l´après-midi", et travailler tous les jours, aussi longtemps que le ciel me le permettrait, sur chacune de ces vues à l´heure qui lui correspondrait. Je m´étais déjà proposé de peindre un "marais sous la pluie" depuis ma fenêtre. Un "marais dans le brouillard ", je n´y avais pas encore songé. C´est vraiment une chance que j´aie inventé un procédé pour pouvoir loger dans ma boîte de nombreuses feuilles où la peinture n´est pas encore sèche sans qu´elles déteignent les unes sur les autres."

                                                         
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Je remets à plus tard de parler du roman tout entier ...

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[ Illustration : Claude Monet Nénuphars - Nuages (1903) ]

Wassily Kandinsky (1866-1944) a tenté toute sa vie de concilier peinture et musique. Impression III (Concert), peint en 1910, en est un bel exemple. Ce tableau est en effet une belle transposition affective et réussie d´un quatuor pour cordes dans lequel Schönberg utilise avec bonheur musique tonale et atonale.

Inspiré par ce quatuor, Kandinsky fait de même dans son tableau : Impression III n´est pas que couleurs abstraites. Les tons qui fusent à gauche de la toile évoquent sans grande difficulté soit un orcheste, soit les premiers rangs d´auditeurs à quelques mètres seulement de la scène sur laquelle trône un immense piano à queue noir. Le principe que défendra plus tard Kandinsky de la totale indépendance de la forme et de la couleur vis-à-vis du monde des objets n´est donc pas encore totalement affirmé.

C´est la raison pour laquelle j´aime particulièrement ce tableau. C´est pourquoi aussi, me semble-t-il, ce tableau se rapproche de la manière de peindre de Paul Klee, autre peintre à avoir laissé une oeuvre de théoricien sur l´art, mais qui n´est jamais tombé dans l´intellectualisme. Pour lui, la peinture restera toujours ce qu´il considère l´essentiel : des taches de couleur et suggestion de mélodie.

Ce qui, pour moi, fait donc la force d´ Impression III (concert), c´est justement que l´instinct sensible qui se dégage du tableau garde la priorité sur l´intellect.  C´est ce
que Cézanne, par ailleurs, a su retrouver à quelques mois de sa mort dans un tableau que j´apprécie de plus en plus : Le jardin des Lauves.

La composition, aussi essentielle soit-elle, ne sera jamais tout.

Sans savoir vraiment pourquoi, il y a pour moi dans la toile Hommage à Apollinaire que Marc Chagall a peinte alors qu´il découvre Paris entre 1910 et 1913, un mystère et une force que je n´arrive pas à analyser.

L´influence cubiste est évidente. Mais la déconstruction propre au cubisme est déjouée, tant par ses couleurs que par le nombre des éléments symboliques qui renvoient  tout à la fois à la Bible d´avant la Chute, la cabalistique et l´alchimie. Les noms en bas à gauche ne laissent pas non plus de m´étonner car dans chaque nom apparaît un élément : l´air pour Apollinaire, le feu pour Cendrars, l´eau pour Canudo et la terre pour Walden. Et que dire du cercle et des chiffres 9,[1]0 et 11 ? Et plus encore du soleil tout en haut à gauche et dans le coin du bas gauche les nuages et les oiseaux ... ? Je ne sais. 

Bien qu´ hétérogène, cette oeuvre est cependant prenante. Elle montre en évidence, derrière sa facture figurative-cubiste, un Chagall encore en formation. Je ne me lasse pas de la regarder ; - et de lire et relire l´ensorceleur Apollinaire, même quand il se veut très simple :

  
      La chaste Lise 

La journée a été très longue

Elle est passée enfin

Demain sera ce que fut aujourd´hui

Et là-bas sur la montagne

Le soir descend sur le château enchanté

Nous sommes las ce soir

Mais la maison nous attend

Avec la bonne soupe qui fume

Et dès l´aube demain

Le dur labeur

Nous reprendra

       Hélas

Bonnes gens

    in "Le Guetteur mélancolique" (Stavelot)

Où sont les portes de son corps ? 

Homme et Cheval, du peintre suprématiste Kasimir Malevitch (1878-1935), n´est pas son oeuvre la plus connue. Elle date de 1933, deux ans avant sa mort. Il n´y a en elle aucune forme pure, aucune forme non-objective genre carré, cercle ou croix. Il n´y a pas non plus de fond blanc, même si apparaît derrière un vert tendre de pré et un bleu lancinant, un encadrement crémeux. Voilà sans doute pourquoi cette oeuvre ne cesse pour moi de proclamer son mystère.

L`homme est comme un Icare sans ailes; un Icare écartelé qui ne pourra jamais battre des bras pour prendre son envol. Il a sans doute, vivant parmi les hommes, trop entendu de huées. L´infini est comme hors de portée.

Le vert et le rouge, couleurs des icônes, sont là pour rappeler que Malevitch est né russe. Comme son personnage, il l´est de tête et de corps.

Dans Homme et Cheval le vert et le bleu ne sont pas des formes pures ; - et surtout pas le rouge, malabile, de l´immense dos sans bras de l´homme qu´une fine ceinture noire enserre trop. Mais cet homme, malgré sa difformité, ne semble pas vouloir désarmer; l´impossible le tente encore, en un dernier sursaut. Carré noir sur fond blanc, et plus encore Carré blanc sur fond blanc, semblent bien loin. La croix n´est cependant pas oubliée dans les jambes écartées de l´homme ; ni le blanc séminal du cheval sans queue, indifférent à l´homme qui s´intercale entre lui et notre regard de lecteur de l´oeuvre.

Appel sans finalité, Homme et Cheval sauvegarde en moi ce que toute grande oeuvre devrait éveiller : un intangible mystère, permettant à chacun, de génération en génération, de puiser sans jamais l´épuiser, l´imminence d´une vérité.

[ Illustration de droite : Malevitch, Autoportrait (1933) ]